ADRIANA NATALONI
EXPOSICIONES
INDIVIDUALES
Correntes inértes, 2025
El agua retiene recuerdos. Lo que se acumula en ella no desaparece, solo cambia de estado, forma, visibilidad. Los desechos que arrojamos a la corriente —plásticos, fragmentos industriales, restos cotidianos— permanecen. Están ahí, incluso cuando ya no los vemos. En esta exposición, propongo un campo de observación: aquello que el mar, los ríos y los cuerpos de agua ya no pueden absorber. Lo que permanece. Lo que flota. Lo que se hunde. Las obras —pinturas, objetos, instalaciones— incorporan materiales inorgánicos como parte del gesto mismo. Son signos de un paisaje alterado, silenciosamente comprometido. Están ahí para recordarnos que todo descarte encuentra un destino. No se trata de representación ambiental. Se trata de presencia. De confrontación. De hacer de la contaminación un lenguaje. De la permanencia de los desechos, una superficie de tensión. Inert Currents es un cuerpo expandido de agua contaminada. Un intento de escuchar lo que ya no se disuelve. Y de mirar lo que, ignorado por demasiado tiempo, insiste en regresar.
Adriana Nataloni
Ateliê 31 | Río de Janeiro
SALA 01
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Correntes inértes, 2025
El agua retiene recuerdos. Lo que se acumula en ella no desaparece, solo cambia de estado, forma, visibilidad. Los desechos que arrojamos a la corriente —plásticos, fragmentos industriales, restos cotidianos— permanecen. Están ahí, incluso cuando ya no los vemos. En esta exposición, propongo un campo de observación: aquello que el mar, los ríos y los cuerpos de agua ya no pueden absorber. Lo que permanece. Lo que flota. Lo que se hunde. Las obras —pinturas, objetos, instalaciones— incorporan materiales inorgánicos como parte del gesto mismo. Son signos de un paisaje alterado, silenciosamente comprometido. Están ahí para recordarnos que todo descarte encuentra un destino. No se trata de representación ambiental. Se trata de presencia. De confrontación. De hacer de la contaminación un lenguaje. De la permanencia de los desechos, una superficie de tensión. Inert Currents es un cuerpo expandido de agua contaminada. Un intento de escuchar lo que ya no se disuelve. Y de mirar lo que, ignorado por demasiado tiempo, insiste en regresar.
Adriana Nataloni
Ateliê 31 | Río de Janeiro
SALA 02
REMANESCENTE%20RESISTENCIA%2C2023_edited_.png)
Consumíveis, 2024
La tercera revolución industrial, que comenzó en 1950, produjo una cantidad gigantesca de objetos desechables. La invención del plástico reemplazó progresivamente la madera y el cuero. Para mantener la lógica económica, esta revolución propuso la solución de los objetos desechables. Alteró la relación valor-precio de la cultura material. Esta industria buscaba un sentido de igualdad, uniformidad y la repetición infinita de objetos, junto con la práctica del descarte. Los procesos artísticos se vieron inevitablemente afectados, desde la aparición de pinturas acrílicas y esmaltes sintéticos hasta la estructura de objetos sólidos y tridimensionales en acrílico, resina y otros materiales. Se buscaba seguridad, previsibilidad y uniformidad para alcanzar la promesa de felicidad a través del consumo. Adriana Nataloni crea un laboratorio de posibilidades, un cosmos de conexiones indeterminadas imbuido de diversas insurgencias. En el resultado final, percibimos una nueva relación entre las partes y el todo. Ella realiza una Gestalt que contradice la lógica determinada por la industria de los objetos. La obra de Adriana Nataloni dista mucho de cumplir con las premisas estéticas de la industria. Las utiliza con diseños opuestos. Busca la estética del caos. Donde, antes, solo existía un orden impuesto. A lo largo de la cadena de producción. Sus creaciones se relacionan deliberadamente con el cuestionamiento de la insuficiencia del mundo de la materia construida. Ofrece una estética de rebelión contra este proceso civilizador. Mientras que los productos industriales priorizan la garantía de la certeza, Adriana revela la inestabilidad de la incertidumbre como objetivo de la existencia material. Un mensaje inverso que la vincula con los artistas del Black Mountain College y su herencia dadaísta. Esta rebelión contra los objetos desechables se refleja en el conjunto de procedimientos que niegan el origen y la lógica de la industria. Son creaciones únicas imposibles de serializar. En este sentido, es lo opuesto al Pop Art, también un movimiento derivado de la superindustrialización. Su obra no busca la solución de conflictos. Denuncia la insuficiencia de estos objetos en el mundo del consumo masivo. La organización del caos permite nuevos significados y propósitos para estos objetos previamente desechables. Es la poética de un nuevo estado de la materia.
Marco Cavalcanti
MSc UFRJ
Laboratorio de Atmosferas, 2023
Vivimos en un mundo ordenado; lo vemos en el diseño de productos, en la centralidad del mobiliario, todo diseñado para el comportamiento promedio de los cuerpos y su desarrollo en nuestra forma de pensar. El mundo, al abrirse a nuestras percepciones, ya lleva en su apertura una forma de ser, lo que demuestra que la tradición occidental ha unificado un pensamiento de totalidad como medida vinculante.
Aunque el orden aparente se presenta, sabemos que la naturaleza que idealizamos está experimentando una transformación considerable. No escapamos a nuestra comprensión de que el cambio climático y la contaminación de ríos y mares son intervenciones perjudiciales para el medio ambiente. El mundo natural siempre nos ha sido hostil. La filosofía y la ciencia han permitido que el conocimiento cree, de alguna manera, patrones para captar tanto el orden como la causalidad, permitiéndonos intentar frenar el dominio de la adversidad.
Para resguardarnos de los fenómenos naturales, hemos construido una arquitectura íntima en la que no sólo se climatizan nuestras formas de ser, la cultura y el arte, sino también las construcciones arquitectónicas y metafísicas que han convergido en un vocabulario común, en la celebración del encuentro con el otro.
El surgimiento del rostro como medio de reconocimiento facial fue un logro de los homínidos a lo largo de la historia, dando origen a la esfera íntima. Los rostros pintados, tan fragmentados y perdidos en el paisaje de proporción/desproporción en la obra de la artista Adriana Nataloni, nos dan la impresión contraria. Más que nunca, el debate sobre la totalidad y la parcialidad alcanza tanta relevancia en nuestra época histórica. ¿Podemos identificarnos solo con los pocos vestigios que quedan? ¿Existe, en el manejo fragmentario de la forma (y su edición), una manera muy particular de abordar todo lo demás? ¿Acaso los restos inorgánicos arrojados a las calles están desconectados de la dimensión global del debate que exigen?
Desechados en volúmenes impresionantes e invisibilizados como un problema global, adquieren una dimensión urbana al ser recogidos con algún propósito. Tanto artistas como personas hambrientas buscan los contenedores de basura. Los primeros ven posibles esculturas; por lo tanto, la recolección de residuos industriales no solo se vincula a la cultura pop de sus envases, sino que el acto mismo de reintegrarlos constituye una obra de arte. Claramente, la artista forma parte de una larga tradición en la historia del arte que se extiende desde Duchamp hasta la estela del conceptualismo. Al no jerarquizar los materiales, sino manipularlos como objetos artísticos, sin utilizarlos necesariamente en la dirección de una postura social (el reciclaje), Adriana los envuelve en el entorno del mundo circundante.
Es en esta apertura entre el pensamiento artístico, la cosmovisión y la manipulación de la vida donde reside la fuerza de la obra de Adriana Nataloni.
Aline Reis
Centro Cultural Municipal Sergio Porto | Río de Janeiro
COLECTIVAS
Abraço coletivo, 2025
Abraço Coletivo es un proyecto que busca organizar exposiciones en espacios independientes para afirmar el potencial de trabajar con el arte de forma libre y autogestionada. Partiendo de la premisa del poder de la colectividad como fuerza movilizadora de transformación, el proyecto opera bajo la premisa de que todos los artistas son bienvenidos. En otras palabras, es una exposición donde el enfoque curatorial no se basa en investigaciones, juicios, temas ni nada similar, sino en la belleza de nuestra capacidad de organizarnos en torno a un interés común: en este caso, el arte.
Su primera edición tuvo lugar en 2017 en el Espaço SARACURA (2016-2019) de Río de Janeiro, con la participación de más de cien artistas. En 2019, el proyecto fue presentado por Ateliê 397 en São Paulo y contó con la participación de casi trescientos artistas. Ahora, en su tercera edición, se celebrará del 26 de abril al 3 de mayo en Canteiro, São Paulo.
Canteiro - São Paulo
Projeto Antessala, 2025
Ateliê 31 | Rio de Janeiro
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Salve São Jorge 23, 2025
Portão Vermelho | Fábrica Bhering | Rio de Janeiro
Jardim de verão, 2025
La Galería Dobra y Artnova invitan al público a una inmersión sensorial en un paisaje vibrante, donde la naturaleza rebosa de colores, texturas y deseos. "Jardín de Verano" es una exposición colectiva que reúne a artistas cuyas obras evocan el universo de la botánica, el trópico, el calor y la libido. En la segunda planta de la icónica Fábrica Bhering de Río de Janeiro, la muestra transforma el espacio expositivo en un jardín vibrante, donde hojas, frutos, flores y cuerpos se entrelazan en una danza voluptuosa. Las obras se mueven entre la pintura, la escultura, la fotografía y las instalaciones, creando un entorno donde la experiencia estética se fusiona con la sensorial. El espectador se ve envuelto por formas orgánicas y atmósferas cálidas, por tonos que evocan el deseo, por superficies que parecen respirar y transpirar bajo el calor del verano carioca. El erotismo de la naturaleza se revela en la fuerza latente de las imágenes, en la vitalidad que emana de las composiciones. Aquí, lo tropical no es solo un paisaje, sino un estado de intensidad y entrega: una pulsación que recorre la mirada y despierta los sentidos. Una invitación a dejarse llevar por la cálida brisa que impregna la estación y el arte.
Galería Dobra e Artnova | Fábrica Bhering | Río de Janeiro
Máscaras, 2024
La mascarilla de arcilla, aplicada al rostro como un material efímero, lleva en su esencia la fugacidad de su existencia. Al moldearse sobre la piel, adquiere formas y texturas únicas, creando un diálogo entre lo humano y lo orgánico. Su carácter efímero refuerza la idea de transformación.
Ateliê Pluralistas | Fábrica Bhering | Río de Janeiro
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Giro abisal, 2024
La exposición “Giro Abisal” aborda el techo histórico decolonial como baluarte visual para artistas que, en su tiempo, experimentan la desintegración del mundo eurocéntrico, una reliquia del repertorio imaginario que una vez habitamos, reflejo de nuestras obras. Aun inmersos en la ontología y la epistemología europeas, y entendiendo que el arte contemporáneo se mantiene cercano a los desarrollos teóricos y visuales de Europa y Estados Unidos, hemos visto el paradigma decolonial estallar con fuerza en el circuito artístico brasileño en estas primeras décadas del siglo XXI. Esto significa que el modus operandi del Norte Global como modelo estético, ético y político universal de una sociedad está siendo problematizado, incluso en la dinámica diametralmente opuesta del Sur Global, que no pasó desapercibida para autores que previamente escribieron sobre la relación asimétrica entre los países desarrollados y la América Latina subalterna, o como afirmó el sociólogo Alain Touraine en su análisis televisivo: “Latinoamérica no existe”. El cambio alcanzaría la sedimentación histórica de los roles sociales, las cuestiones económicas y territoriales que mantienen la asimetría abismal entre los pueblos del Norte y del Sur global, operando directamente sobre las relaciones colonizadas preservadas en la colonialidad del poder, el conocimiento y el ser.
Aline Reis
Consulado Argentino | Río de Janeiro
Feira de Arte Aberta, 2024
La Feria de Arte Abierta nació con un propósito claro: conectar a artistas independientes con el público, desde amantes del arte y coleccionistas experimentados hasta quienes buscan su primera adquisición. Con obras de más de 50 artistas, se inicia un movimiento vibrante y enérgico. «Admira y adquiere» es nuestro lema, y desde el primer día de la edición inaugural, esta experiencia se materializó.
Fábrica Bhering | Río de Janeiro
A arte que nos unes, 2024
Luis Felipe Noé, Oscar Smoje, Xul Solar, Marta Minujín y Antonio Berni son solo algunos de los reconocidos artistas argentinos que los brasileños admiramos profundamente. Esta hermandad artística entre nuestros países se asemeja a una dinámica familiar: amor, competencia, pequeñas disputas, pero sobre todo, mucho cariño y respeto mutuo. Existen diferencias culturales, y la intensidad de los argentinos se evidencia en sus acciones. Tuve una clara percepción de esto en el aeropuerto de Buenos Aires, cuando me encontré en medio de un torbellino humano, sin entender qué estaba sucediendo. De hecho, ese frenesí se debía a la llegada de Maradona de un viaje. Los argentinos, impulsados por una fuerte emoción, demuestran una inmensa veneración por sus ídolos, algo que se refleja profundamente en su expresión artística. En Buenos Aires, cuando visitamos el Museo Malba y descubrimos la obra de Tarsila do Amaral, Abaporu, percibimos la importancia y el protagonismo que los argentinos otorgan al arte brasileño. Este sentimiento de reconocimiento y aprecio trasciende fronteras y constituye un fuerte vínculo entre nuestras culturas. De igual manera, compartimos esta admiración, deleitándonos con las obras de artistas argentinos. La exposición de Marta Minujín en la Pinacoteca de São Paulo, por ejemplo, atrajo interminables filas de visitantes deseosos de contemplar sus deslumbrantes e innovadoras obras. Los artistas argentinos y brasileños cuyas obras presentamos aquí demuestran esta fraternidad al adoptar principios artísticos similares. Los colores vibrantes, las formas únicas y las narrativas profundas de cada artista demuestran la interrelación de nuestras producciones culturales y el constante intercambio de influencias e inspiraciones. Cada obra de esta exposición es un testimonio vivo de la colaboración y el diálogo artístico que enriquece a ambas partes. En este universo artístico creado, rendimos homenaje a la amistad entre nuestros países hermanos, unidos también por el arte. A través de las obras expuestas, celebramos no solo el genio individual de cada artista, sino también el espíritu de cooperación y respeto que fortalece la relación entre Argentina y Brasil. Que esta exposición sirva como recordatorio del poder unificador del arte y la importancia de valorar y promover la cultura de nuestros vecinos.
Mario Camargo
Mosaico de instantes, 2024
La cuestión central de su investigación plantea uno de los debates más apremiantes a nivel mundial: la complejidad del Antropoceno. Al trabajar con materiales inorgánicos desechados por la sociedad de consumo, recupera su potencial escultórico, incorporándolos a sus dibujos y pinturas. Al recolectar residuos industriales, interactúa con el contexto histórico del Pop Art, transformándolo en esculturas, ensamblajes, objetos e instalaciones. En sus autorretratos fotográficos, cuestiona la deconstrucción del rostro mediante la incorporación del dibujo y la pintura, integrando así un enfoque multifacético en su obra.
Aline Reis
Casa Gerson | Río de Janeiro
Ciclo expositivo, 2024
Galeria Tato presenta CICLO DE EXPOSICIONES 10 y 11, una muestra que reúne aproximadamente 30 obras de 28 artistas que participaron en dos ediciones de Casa Tato, el programa principal de la galería, que se centra en incluir artistas prometedores en el sistema artístico. La inauguración será en su sede en Barra Funda, un vibrante distrito artístico en São Paulo. Los curadores son Sylvia Werneck y Claudinei Roberto da Silva, con la asistencia de Maria Eduarda Mota. En esta exposición, los artistas que participaron en las ediciones 10 y 11 de Casa Tato se encuentran a mitad de camino. El primer grupo concluye su ciclo de mentoría, mientras que el segundo lo inicia. Son, respectivamente: Adriana Nataloni, Anna Vasquez, Bianca Lionheart, Desirée Hirtenkauf, Edu Devens, Gela Borges, Glenn Collard, Isabel Marroni, Janice Ito, Jaqueline Pauletti, Marcelus Freschet, Marina Marini Mariotto Belotto, Neto Maia, Tomaz Favilla.
Sylvia Werneck
Galería Tato | São Paulo
Bioma Bhering, 2024
Nos textos curatoriais, as palavras\conceitos agem como se fossem articulações - joelhos, cotovelos, punhos, tornozelos, ombros – de um corpo que precisa se movimentar para constituir, na coletividade, uma massa de mais de trinta artistas ávidos a mostrar numa exposição de arte a vida que perpassa tanto os vários ateliês como as galerias de arte e os outros mundos sociais que alimentam a coexistência na Fábrica Bhering. O desejo comum de criar uma “estufa imunológica” capaz de climatizar os futuros desdobramentos, parcerias e ações, é atravessado por um tempo histórico que ora grita e ora murmura “respostas” ao circuito de arte, nascidas do mundo atual. Temáticas como a natureza, a ecologia e o antropoceno, entre outras discussões, são colocados “pra jogo” nas relações entre os participantes que habitam um mesmo espaço geográfico, embora a diversidade seja uma de suas diferenças mais significativas. Um olhar treinado nas várias formas de “habitação” mostra como lidamos com o espaço tanto de forma ordenada quanto desorganizada. Independentemente se os trabalhos são objetos, pinturas, esculturas, instalações ou performances ainda não visíveis, tudo parece conter símbolos que inspiram compartilhamento, tais como: ninhos, bichos, lunetas, setas, flâmulas, janelas, paisagens, portas, fotos, anotações, indagações... Os trabalhos de arte ressoam e insuflam o desejo do outro, agasalham o mundo hostil, vertem o espaço comum da cultura guardando uma geometria vital à nossa existência.
Aline Reis
Fábrica Bhering | Rio de Janeiro
Cromatografia do Tempo, 2024
La exposición propone una experiencia única al ocupar las ruinas del Parque Glória Maria con obras de arte flotantes, tejiendo colectivamente una gran instalación.
Artistas de diferentes estados brasileños presentan temas como la memoria, el tiempo, el espacio y la relación con la forma y materialidad de las cosas.
Plural Produções
Parque Gloria María | Río de Janeiro
Que dizer de nós?, 2024
La Galería Tato inaugura la exposición colectiva "Qué decir de nosotros" en su sede de Barra Funda, un vibrante distrito artístico de São Paulo. La muestra reúne aproximadamente 30 obras de 28 artistas que participaron en dos ediciones de Casa Tato, el proyecto principal de la galería, centrado en la inclusión de artistas prometedores en el sistema artístico. La exposición está comisariada por Katia Salvany y Sylvia Werneck, con la colaboración de João Pedro Pedro.
La exposición presenta obras de Adriana Nataloni (Argentina), Alessandra Mastrogiovanni (SP), Alexandre Vianna (SP), Anna Guerra (PE), Anna Vasquez (BA), Bet Katona (RJ), Bianca Lionheart (SP), Danilo Villin (SP), Desirée Hirtenkauf (RS), Diogo Nógue (SP), Edu Devens (RS), Flávia Matalon (SP), Gela Borges (MG), Giovanna Vilela (SP), Glenn Collard (SP), Isaac Sztutman (SP), Isabel Marroni (RS), Jamile Sayão (SP), Janice Ito (SP), Jaqueline Pauletti (SC), Júnia Azevedo (RJ), Laura Martínez (México), Luciano Panachão (SP), Marcelus Freschet (SP), Marina Marini Mariotto Belotto (PR), Neto Maia (BA), Rogo (TO) y Tomaz.
Favilla (SP). Creado en 2020 con el objetivo de impulsar las carreras de artistas prometedores, el programa Casa Tato llega a su décima edición. «Durante seis meses, los participantes se sumergen en más de 100 horas de encuentros e intercambios con diversos profesionales del sistema artístico brasileño e internacional», explica Tato DiLascio, director de la galería y creador del proyecto. Las curadoras residentes de las ediciones 9 y 10 fueron Kátia Salvany y Sylvia Werneck. Entre los curadores invitados se encuentran: Agnaldo Farias, Alice Granada, Andrés Duprat, Daniela Bousso, Francela Carrera, Filipe Campello, Javier Villa, Lorraine Mendes, Lucas Benatti, Ludimilla Fonseca, Marcello Salles, Nancy Rojas, Paula Borghi y Rejane Cintrão.
En esta exposición, los artistas que participaron en las ediciones 9 y 10 de Casa Tato se encuentran a medio camino. El primer grupo concluye su ciclo de mentoría, mientras que el segundo lo inicia. «Con una investigación bastante específica y una poética variada, podemos decir que, en su trabajo, los grupos comparten el deseo de escudriñar lo cotidiano y, con suerte, vislumbrar alguna conexión en la aventura de la existencia», afirma Katia Salvany. «Abordar lo transitorio, encontrar el lugar del cuerpo en la ciudad, intentar reconstruir el vínculo roto con la naturaleza o comprender la memoria son algunos de los temas que abordan los artistas. Los lenguajes artísticos son tan variados como los caminos elegidos para sumergirse en sus procesos», resume Sylvia Werneck.
Katia Salvany y Sylvia Werneck
Galería Tato | São Paulo
Superfícies se aproximam, 2023
La obra de Adriana Nataloni moviliza conceptos como la naturaleza, la ecología y el Antropoceno al mostrar las huellas plásticas que habitan nuestra vida cotidiana. Estas huellas emergen como imágenes, permitiendo la libre asociación de ideas que se proyectan en el horizonte interpretativo del espectador. En este punto, surgen algunas preguntas: si partimos de la familiaridad con las imágenes, fruto de un amplio entrenamiento, ¿podemos ver la obra de arte más allá de sí misma? ¿Por qué hoy hablamos de imágenes y no de obras de arte? ¿Cuántos intercambios de aprehensiones distintas (y lecturas desiguales) son necesarios para construir una obra de arte contemporánea? Estas preguntas son más necesarias para el disfrute que un mero recurso curatorial que buscar respuesta. Es necesaria una nueva perspectiva sobre el mundo de los algoritmos.
Aline Reis
Fábrica Bhering | Río de Janeiro
Territórios insustentáveis, 2022
La exposición colectiva en la Galería Antonio Berni presenta a veintisiete artistas de diferentes regiones del país y del mundo, que abordan diversas "territorialidades" del arte contemporáneo: pintura, escultura, instalación, objeto, video e intervención. Las obras convergen en debates dentro del circuito artístico: el espacio desde una perspectiva geográfica, el tiempo en el campo político de las relaciones sociales y las corporalidades, no solo en cuerpos nuevos y no estandarizados, sino también dentro de nuevos...
Paradigmas dominantes. Los dos vectores interpretativos —el pensamiento decolonial y el Antropoceno— aparecen en la visualidad de las obras: del retrato al paisaje, de los rostros a los vestigios, de los animales a los líquenes. La insostenibilidad de habitar un mundo histórico gobernado por la velocidad de la tecnología, y su carácter globalizado de absorción e intercambio, nos moviliza y nos deja abrumados durante un tiempo agotador. El arte contemporáneo posibilita este respiro al crear su propia atmósfera de retirada de las exigencias que nos aprisionan. Citando al artista Anselm Kiefer: "¿Qué hace un artista? Establece relaciones entre las cosas. Ata los hilos invisibles entre ellas. Se sumerge en la historia, ya sea la historia de la humanidad, la historia geológica de la Tierra o el principio y el fin del cosmos".
Aline Reis
Consulado Argentino | Río de Janeiro
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